¿Dudas Sobre Música?


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1RICARDO CASTILLO preguntó: Quisiera saber cuándo, cómo, dónde y por quién (o quiénes), surgió la escritura musical, incluido el papel pautado, que hoy se utiliza y conoce en todo el mundo. Gracias

Aunque se conoce que en las antiguas civilizaciones de Irak, Siria, China, Grecia o Roma existían formas particulares de graficar la música, en el intento de crear una guía para el intérprete, especificar el momento en el cual la música occidental se valió de un sistema de notación definitivo resulta difícil.

Muchas veces ese punto de referencia se toma a partir del siglo V de Cristo, época en la cual se desarrolló un sistema de escritura derivado de los símbolos taquigráficos conocidos como neumas y se aplicó a la escritura del canto gregoriano.

Aquellos, si bien no designaban alturas fijas para los sonidos, sino intervalos, ritmos y maneras de ejecución, constituyen un solido intento de concretar un sistema para leer y escribir la música como medio idóneo de escribir, interpretar y perpetuar las obras musicales.

Más tarde, en el siglo IX, el moje benedictino Guido D´Arezzo (992-1050) implementó un sistema de notación ubicando en un tetragrama las notas musicales que derivaron sus nombres de las primeras sílabas de un antiguo verso.

Sin embargo, no fue hasta el siglo XVI que se añadió la nota SI a la escala  creada por D Arezzo y el anterior tetragrama se amplió a cinco líneas llegando asi a la escala ( do, re, mi , fa, sol, la y sí)  y el pentagrama que hoy conocemos.

2ANA ROSA preguntó: Hola! Quisiera saber si las orquestas sinfónicas y de cámara surgieron en la misma época. Gracias

Luego de que en el  Renacimiento la música vocal llegara al clímax  de los medios expresivos, con el advenimiento del Barroco, la música instrumental fue adquiriendo cada vez mayor relevancia, toda vez que tanto los instrumentos como sus técnicas de ejecución, (sobre todo los de cuerda frotada) se fueron perfeccionando y condicionaron así  el punto de inicio para el desarrollo de la música instrumental.

Es en esta etapa donde surge el concepto de música de cámara, término que incluye formatos y géneros que se nuclearon en las recámaras palaciegas y que congregó un número limitado de intérpretes, a juzgar por el espacio físico disponible para la realización de los conciertos.

Dentro de los formatos de música de cámara, la orquesta adquirió una relevancia singular durante el Barroco y géneros como Conciertos Grosso, Conciertos para Solista y orquesta, Suites, etc.; contribuyeron a consolidar esta formación y su repertorio exclusivo.

La orquesta barroca alcanzó gran perfección y quedó constituida básicamente por la sección de cuerdas y el bajo continuo, en el que destacaba el clave. Además, se incluyeron instrumentos de viento madera (flauta, oboe y fagot), viento metal (trompetas y trompas) y de percusión, en función de los requerimientos de cada obra. Una formación media constaba con unos  veinticinco músicos aproximadamente.

A mediados del siglo XVIII se inicia lo que muchos han dado en  llamar  un proceso de «estandarización» de la orquesta, que  entre  1750 y 1800 logró la consolidación de  la orquesta sinfónica; a partir de entonces este conjunto, con bases específicas en cuanto a su constitución, se desarrolló tanto cuantitativa como cualitativamente (mejoras técnicas y, por lo tanto, cambios relevantes en el sonido de los instrumentos)

Fue este el período donde se delimitó la música de cámara y la música sinfónica y especialmente   la orquesta sinfónica con las obras de Wolfgang Amadeus Mozart y Joseph Haydn; y, con la trascendencia de la escuela de Mannheim, que sirvió de modelo inicial de posteriores orquestas, quedó constituida la mayor y más completa formación orquestal.

De la orquesta de cámara heredada del Barroco se mantuvo la sección de cuerdas como base, aunque esta fue  ampliada en número y se complementó  con al menos un par de oboes y trompas. Al avanzar el siglo,  quedó fijada la sección de instrumentos de madera a dos, mientras la  sección de metal solía incluir entre dos y cuatro trompas, dos trompetas (con timbales) y, ocasionalmente, uno o varios trombones.

En el siglo XIX la orquesta experimentó un gran desarrollo, sobre todo gracias a los avances de Hector Berlioz y Richard Wagner. El número de instrumentistas continuó  aumentando hasta el siglo XX, lo que obligó a incluir más cuerdas, maderas y percusión, para conseguir el equilibrio tímbrico necesario.  Berlioz, por ejemplo, llegó a componer obras para ser interpretadas por más de 500 músicos.

En el siglo XX, los compositores escribieron para orquestas de inmenso tamaño. Gustav Mahler compuso la que se conoce como Sinfonía de los mil por el gran número de ejecutantes que precisa: gran coro y doble orquesta sinfónica.

Conceptualmente hoy se define a la orquesta de cámara como una agrupación de reducido número de integrantes donde cada instrumento interpreta una parte diferente, en cambio en la orquesta sinfónica, las melodías  o partes son interpretadas por grupos del mismo  instrumento y el número de sus integrantes es ilimitado.


3ALBERTO ACEVEDO preguntó: ¿Cómo se explica el término Rapsodia en la música?

La rapsodia era, en la antigua Grecia, un segmento de un poema épico que se recitaba o cantaba acompañado por algún instrumento -generalmente de cuerda- y que gozaba de independencia con respecto al conjunto de la obra.

Desde el punto de vista etimológico el vocablo significa por un lado canción y por otro: conectar, ajustar, ensamblar; con lo cual, la palabra rapsodia podría traducirse como canción acoplada.

No fue hasta muchos siglos después, concretamente a fines del siglo XVIII que surgió una verdadera asociación entre rapsodia y música siendo uno de los primeros ejemplos el trabajo del escritor y músico alemán Christian Schubart titulado Musicalische Rhapsodien. Sin embargo, el primer autor que se refirió a sus partituras sólo con la palabra rapsodia fue el compositor y pianista checo Vaclav Tomasek que compuso varias de estas obras, la primera de ellas  fechada en 1810.

Durante todo el Romanticismo, la rapsodia pasó a ser una colección de temas instrumentales con diferentes partes temáticas unidas sin relación alguna entre ellas. Inicialmente para piano solo y con posterioridad en forma de creaciones orquestales  de marcado carácter épico y también con rasgos nacionalistas, y aunque numerosos compositores se sintieron atraídos por el género, las rapsodias de Johannes Brahms y de Franz Liszt se encuentran entre las más  muy notorias.

Para principios del siglo XX los autores comenzaron a adaptar las rapsodias, extendiendo y haciendo popular el uso del término para denominar otro tipo de obras.



4MAIRA BEATRIZ LÓPEZ PÉREZ preguntó: Necesito orientación sobre la pág www sandunga cu

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5JORGE preguntó: ¿Qué identifica a la canción criolla?

La canción criolla es un género de la música popular peruana que, de conjunto con el vals peruano, tuvo un gran auge a inicios del siglo XX cuando se fue insertando en la escena musical citadina.

Así es como el 31 de octubre se celebra el Día de la Canción Criolla, pues en dicha fecha se conmemora el natalicio de la cantante Eloísa Angulo, conocida como «La Soberana de la Canción Criolla», de quien este 2020 festeja el aniversario 101 de su nacimiento.

La canción criolla es la expresión musical por excelencia de la cultura popular urbana limeña. Lo peruano de esta música se construyó sobre la base de las confluencias estilísticas entre los géneros musicales occidentales (vals y mazurcas) con la música de origen africano. La simbiosis entre ambas influencias dieron como resultado: la música criolla peruana.

Investigaciones recientes sobre la relación de este género musical con la identidad peruana revelan que este patrimonio peruano está presente tanto en festividades cívicas como religiosas. Su vigencia es tanta que se le escucha también en programas radiales, televisivos e incluso en las plataformas digitales.

En la actualidad, la canción criolla es parte de la identidad nacional y el imaginario peruano como un elemento importante de su cultura; pero no se le debe confundir con la criolla, que forma parte del complejo genérico de la canción cubana.

6LELIO BURGINI preguntó: desidererei conoscere se avete notizie sulla origine della canzone LA PALOMA. . Vi risulta se a Cuba questo motivo era gia' conosciuto prima del 1859, quando De Iradier lo registro' come suo?

La habanera La Paloma del  vasco Sebastián Iradier fue compuesta en 1852 tras la visita del compositor a La Habana. Pero todavía continúa el debate sobre aquella pues no existe documento que atestigüe su presencia. Aun así es evidente que la fuente de inspiración es la ciudad, como se puede apreciar en la primera línea de la pieza donde relata «Cuando salí de La Habana, válgame Dios. Nadie me ha visto salir, si no fui yo». No es necesario que el compositor visitara La Habana para escribir en ese género y con este contenido su texto, aunque hay quienes todavía son del criterio de que Iradier compuso La Paloma en La Habana, para ofrecer referencias sobre la misma.